(Mai 4, 2026) Mahesh M. Karambele präsentierte seine erste Ausstellung in einem beengten Mietshaus in Mumbai während einer Satyanarayan Puja im Viertel. Seine Gemälde lehnten an den vom Monsun gezeichneten Wänden und zogen neugierige Blicke der Nachbarn auf sich. Unter ihnen stand sein Vater, still nach einem langen Arbeitstag, der später bemerkte: „Er ist stur, aber er meint es ernst.“ Heute hat diese unbeugsame Überzeugung Karambele weit über diese bescheidenen Anfänge hinausgetragen. Seine Werke wurden seither in über 100 Ausstellungen gezeigt und befinden sich in Sammlungen in Indien, Frankreich, Portugal, London, Singapur, Deutschland, Amsterdam und Dubai. Sie zeichnen den Weg von den Mietshäusern Mumbais zu bedeutenden internationalen Kunstplattformen in mehr als zwölf Ländern nach.

Er hatte außerdem eine Einzelausstellung an der Lalit Kala Academy, der nationalen Kunstakademie Indiens, und nahm an zahlreichen Gruppenausstellungen weltweit teil, darunter bevorstehende Präsentationen auf der FOCUS Art Fair in New York (Mai 2026) und der World Art Dubai (November 2026).

Vom Boden Konkans zu globalen Leinwänden

Der 45-jährige Künstler, geboren im Küstendorf Aagve im Distrikt Ratnagiri in Maharashtra, verbrachte seine Kindheit und Jugend in einer ländlichen Gegend. „Unsere Familie stammt aus der Landwirtschaft, und der Ackerbau war unsere einzige Nahrungsquelle“, erinnert er sich in einem Gespräch mit Der globale Inder. Sein Vater arbeitete in Mumbai, während Karambele und sein jüngerer Bruder ihre Kindheit inmitten von Reisfeldern verbrachten und den Rhythmus von Land und Arbeit in sich aufnahmen.

Diese Verbundenheit mit der Erde sollte ihn nachhaltig prägen. Noch heute tragen seine Werke Spuren dieser frühen Schaffensphase: Texturen, die an Erde erinnern, Oberflächen, die verwittert wirken, Kompositionen, die wie über die Zeit geformte Landschaften atmen.

Im Alter von sechs Jahren veränderte sich sein Leben schlagartig, als die Familie nach Mumbai zog. Sie lebten in einem nur 120 Quadratmeter großen Zimmer in Bhandup – ein Raum, der ständige Auseinandersetzungen erforderte: um Bewegungsfreiheit, Privatsphäre und Überleben. „Alles war übereinandergeschichtet, geflickt und wiederverwendet. Die Stadt ist geprägt von Reparaturen und Überlebenskampf“, sagt er. Diese Umgebung wurde zu seiner ersten visuellen Sprache.

Obwohl finanzielle Zwänge eine formale Kunstausbildung unmöglich machten, war die Anziehungskraft der Kunst unbestreitbar. „Ich sagte meinen Eltern, dass ich mein Leben der Kunst widmen würde, weil ich ohne sie nicht leben kann“, sagt er.

Sein Vater unterstützte ihn trotz bescheidener Mittel stillschweigend und brachte ihm gelegentlich Malutensilien mit nach Hause. Diese unaufdringliche Ermutigung, gepaart mit den harten Realitäten des Stadtlebens, prägte seinen künstlerischen Ausdruck. Jahre später sollte dieser Ausdruck weltweit Gehör finden. Von bescheidenen Anfängen an hat der Künstler in über 12 Ländern ausgestellt und mehr als 100 Ausstellungen absolviert: eine außergewöhnliche Karriere, die lokale Erinnerung mit internationaler Bedeutung verbindet.

Die Sprache der Abstraktion

Die frühen Werke des Künstlers waren vom Realismus geprägt: Er hielt die Flure von Mietskasernen, die Felder von Dörfern und den Alltag fest, der in gängigen Darstellungen oft übersehen wird. „Ich malte, was ich kannte … diese Leben fühlten sich in Galerien unsichtbar an, aber sie waren meine ganze Welt“, sagt er.

Doch mit der Zeit empfand ich den Realismus als einengend. Der Wendepunkt kam, als ich an einem Gemälde seines Kinderzimmers in Bhandup arbeitete. Trotz wiederholter Versuche fehlte ihm etwas. „Ich begann, die Oberfläche abzuschleifen, bis nur noch Flecken und Kratzer übrig waren. In diesen Beschädigungen erkannte ich die Wahrheit dieses Zimmers klarer als in jeder noch so akkuraten Zeichnung.“

Dieser Moment markierte seinen Übergang zur Abstraktion: nicht aus stilistischen Gründen, sondern aus Notwendigkeit. „Mich interessierte mehr, wie sich ein Ort anfühlte, als wie er aussah“, erklärt er.

Heute sind seine Arbeiten stark haptisch und vielschichtig, oft unter Einbeziehung von wiederverwerteten Materialien: Holz, Planen, Fragmente von Fischerbooten. In Werken wie „Tide’s Requiem“ sind diese Materialien nicht symbolisch, sondern gelebt. „Das materielle Gedächtnis ist ein Mitwirkender. Meine Aufgabe ist es, zuzuhören und hinzuzufügen, ohne das Vorhandene auszulöschen.“

Sein Arbeitsprozess spiegelt die Umgebungen seiner Kindheit wider: Schichten, Löschen, Reparieren. „Ich füge etwas hinzu, schleife es ab, füge wieder etwas hinzu. Jede Schicht steht für Zeit, Entscheidung und Zweifel.“ Das Ergebnis sind Werke, die zum langsamen Betrachten einladen: deren Bedeutung sich allmählich und nicht sofort entfaltet.

Erinnerung, Materie und die Poesie der Vergänglichkeit

Im Zentrum von Karambele’s künstlerischer Praxis steht die Auseinandersetzung mit Erinnerung, Arbeit und Vergänglichkeit. Gleichermaßen beeinflusst von den zyklischen Landschaften Konkans und dem sich ständig wandelnden Stadtbild Mumbais, spiegelt sein Werk eine tiefe Sensibilität für die Zeit wider.

„Nichts behält seine Form für immer, aber nichts geht auch wirklich verloren“, sagt er. Diese Philosophie zeigt sich in seiner Darstellung des Verfalls: nicht als Ende, sondern als Übergang. Die Oberflächen seiner Gemälde wirken oft abgenutzt, gezeichnet oder ausgebessert und deuten so eher auf vergangene Geschichten als auf festgelegte Erzählungen hin. Das Licht spielt dabei eine entscheidende Rolle.

„In den Mietskasernen nahm man die Welt mit allen Sinnen wahr: feuchte Wände, heißes Blech, rauer Beton. Das Licht veränderte sich stündlich“, erklärt er. Seine Werke reagieren auf diese sinnliche Erinnerung und verändern sich subtil, je nachdem, wie man sie betrachtet.

Für Karambele geht es in der Kunst nicht um unmittelbare Wirkung, sondern um nachhaltige Auseinandersetzung. „Ich wünsche mir Stille. Wenn jemand eine Ebene entdeckt, die ihm beim ersten Mal entgangen ist, dann ist das die Auseinandersetzung, die ich anstrebe: nicht ein flüchtiger Blick, sondern eine Beziehung.“

Dieses Ethos spiegelt sich auch in seiner wachsenden internationalen Präsenz wider. Seine Werke wurden in ganz Europa, den Vereinigten Staaten und darüber hinaus ausgestellt, wobei das Publikum von ihrer Universalität angezogen wurde, obwohl sie in zutiefst persönlichen Geschichten verwurzelt sind.

Eine Reise voller Entschlossenheit, Dankbarkeit und weltweiter Anerkennung

Hinter dem weltweiten Ruhm verbirgt sich eine Geschichte von Widerstandskraft. Es gab Jahre, in denen das Überleben wichtiger war als die Kunst: Er legte lange Strecken zu Fuß zurück, um Geld zu sparen, aß nur einmal am Tag und nahm Gelegenheitsjobs an, um seine künstlerische Tätigkeit aufrechtzuerhalten. „Manchmal war das Leben so hart, dass ich zu Ausstellungen lief, um Geld für den nächsten Tag zu sparen“, erinnert er sich.

Doch diese Kämpfe wurden zu einem Fundament, anstatt mich einzuschränken. „Diese Zeit hat mich geprägt. Ich werde meine Vergangenheit nie vergessen… dank ihr habe ich dieses Niveau erreicht.“

Während er sich heute auf seine bevorstehende Präsentation auf der FOCUS Art Fair New York 2026 vorbereitet, entwickelt sich sein Werk stetig weiter, bleibt aber in denselben Kernthemen verankert: Zeit, Arbeit und Würde. „Die Themen sind dieselben“, sagt er. „Die Felder von Kot und Aagve und die Mauern von Bhandup – sie alle begleiten mich.“

Von einer Ausstellung in einem Mietshaus bis hin zu globalen Kunstmessen – Mahesh M. Karambele bleibt in seinem Werdegang der gelebten Erfahrung treu und verwandelt sie in etwas, das über Grenzen hinweg spricht.

• Folgen Sie Mahesh M. Karambele auf Instagram 

LESEN SIE AUCH: Amrish Malvankar: Seine Leinwand über Kontinente hinweg erweitern