(Oktober 8, 2025) Es begann mit einem Topf kochenden Teers auf seiner Terrasse in Delhi – eine zufällige Begegnung, die Simran KS Lambas Leben verändern sollte. Aus diesem geschmolzenen Chaos entstand ein Mixed-Media-Künstler, der Poesie im Industriellen und Geist im Weggeworfenen findet. Seine Reise vom Terrassenexperiment bis in die großen Hallen Indiens und im Ausland beweist, dass Schöpfung oft nicht aus Planung, sondern aus schönen Zufällen entsteht.
Lamba verwandelt das, was die Welt wegwirft – verrostetes Metall, Drahtgeflecht und Glasscherben – in Meditationen über Beständigkeit und Erneuerung. Sein unkonventionelles Verfahren, das ihm ein Patent der indischen Regierung für Innovation in der dreidimensionalen Kunst einbrachte, verwandelt Abfall in Wunder und lässt Verfall vor Leben schimmern.
Jetzt, da er sich darauf vorbereitet, Indien bei der XV. Biennale Florenz 2025, einer der weltweit renommiertesten Veranstaltungen für zeitgenössische Kunst und Nachhaltigkeit, weitet sich seine Vision erneut auf die globale Bühne aus. „Kunst sollte nicht nur in Galerien leben; sie sollte mit der Welt kommunizieren“, sagt er Globaler InderIn seiner Welt spricht sogar Teer und wird zu einem lebendigen, atmenden Material, das Erinnerungen, Spannung und Transzendenz birgt. In seiner Kunst geht es weniger darum, was er erschafft, sondern vielmehr darum, was er erweckt – eine Erinnerung daran, dass Schönheit aus Verfall entstehen kann.
Simran KS Lamba
Wurzeln in der Erweckung
Der Künstler verbrachte einen Großteil seiner Kindheit in Internaten in Nainital und Shimla, bevor er nach Kalkutta zurückkehrte, der Stadt, die sein frühes Empfinden prägte. Seine Mutter, Mona Lamba, eine bahnbrechende, erfahrene Modedesignerin und Revivalistin, war Mitbegründerin des Fashion Design Council of India (FDCI) und leitete das in den 1980er Jahren gegründete, gefeierte Label Monapali.
„Meine Mutter war eine der bedeutendsten Erneuererinnen ihrer Generation“, sagt er und erinnert sich an ihre Rolle bei der Einführung traditioneller Web- und Handnähtechniken in die Mainstream-Mode. „Sie verband Indiens reiches Textilerbe mit zeitgenössischem Design, und ich wuchs umgeben von Stoffen, Texturen und Formen auf – in einer Umgebung, in der das Hinterfragen ästhetischer Aspekte gefördert wurde.“
Diese Atmosphäre der Neugier und des handwerklichen Könnens war der Grundstein für Lambas spätere Faszination für unkonventionelle Materialien und taktile Experimente, auch wenn er damals noch nicht ahnte, dass er eines Tages Künstler werden würde.
Eine zufällige Begegnung mit Tar
Die Kunst, betont Lamba, „entstand durch Zufall, nicht dadurch, dass ich mich dafür entschied, bildender Künstler zu werden.“ Im Jahr 2006 stieß er bei Renovierungsarbeiten an seinem Haus zufällig auf einen Topf mit kochendem Kohlenteer, der zur Abdichtung seiner Terrasse verwendet wurde. Der Anblick faszinierte ihn. Er erinnert sich: „Ich war fasziniert von diesem Topf mit kochend heißem Teer, der ständig seine Form veränderte. Aus Neugier begann ich, ihn zu erkunden, ohne zu ahnen, dass ich mich auf eine lebenslange Reise begab.“
Aus anfänglicher Faszination entwickelte sich bald Hingabe. Er experimentierte jahrelang und lernte, ein schwieriges, dichtes und unbeständiges Medium zu beherrschen. Dabei musste er Fehlschläge und misslungene Kompositionen ertragen. Doch mit der Zeit entwickelte er seine eigenen, einzigartigen Techniken: Schichtung, Strukturierung, Einbettung und ein künstlerisches Vokabular, das ihn von anderen abhob.
Er sagt: „Teer ist unberechenbar, aber das ist seine Schönheit. Mein Prozess basiert auf Zufällen, Beharrlichkeit und dem Glauben, dass selbst das härteste Material poetisch sein kann.“
Kartenspiel | Simran KS Lamba
Entstehung und Früherkennung
Nach vier Jahren der Erkundung präsentierte Lamba 2010 seine erste Einzelausstellung „Genesis“ in der Visual Arts Gallery des India Habitat Centre. Die Resonanz war überwältigend. Kritiker und Sammler waren fasziniert von der Alchemie seines Prozesses und der Art und Weise, wie er Industrieabfälle in kontemplative Formen verwandelte.
Er erklärt: „Ich habe Jahre gebraucht, um dieses erste Werk zu schaffen. Es war der Höhepunkt ständiger Experimente und die Anerkennung, die es erhielt, gab mir den Mut, es weiterzuführen.“
Seitdem sind Lambas Werke durch Indien und auch ins Ausland gereist und in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen gewesen, darunter auf der 61. Nationalen Kunstausstellung (2020) der Lalit Kala Akademi, wo sein Werk „Gandhi and Industry“ ausgewählt wurde.
Ein autodidaktischer Künstler
Lamba bezeichnet sich selbst als Autodidakt, eine Entscheidung, die seine Risikobereitschaft und Originalität geprägt hat. „Autodidakt zu sein, ist eine meiner größten Stärken“, sinniert er. „Eine formale Ausbildung ist nicht jedermanns Sache. Ich wurde dazu erzogen, Ästhetik zu hinterfragen, daher fühlte ich mich nie gezwungen, mich einer Denkschule anzupassen. Meine Kunst entsteht aus Neugier, Intuition und der Freiheit, zu scheitern.“
Seine Kompositionen entziehen sich oft jeder Kategorisierung – teils Skulptur, teils Gemälde, oft Installation – und lassen Vergänglichkeit, Zufall und Intuition als Elemente einfließen. Im Laufe der Zeit, sagt er, habe sich seine Praxis über die Form hinaus entwickelt und sich dem Metaphysischen zugewandt: „Ich konzentriere mich nicht mehr bewusst auf das, was ich erschaffen möchte. Viele meiner Werke entspringen Träumen oder lebhaften Vorstellungen. Mein Unterbewusstsein leitet mich.“
Im Jahr 2023 erteilte die indische Regierung Lamba ein Patent für seine „einzigartige Methode zur Schaffung dreidimensionaler Kunstwerke“ für eine Reise, die über ein Jahrzehnt zuvor begonnen hatte.
Simran KS Lamba
„Während meiner ersten Sendung sagte mir ein Zuschauer, er hätte noch nie gesehen, dass Teer auf diese Weise verwendet wird, und drängte mich, ein Patent anzumelden“, erinnert er sich. „Das habe ich 2011 getan. Nach zwölf Jahren Prüfung wurde das Patent erteilt.“
Die Anerkennung schützt nicht nur seine Techniken, sondern auch die Integrität seines kreativen Prozesses. Zuvor hatte er auf Bildungswebsites gestoßen, die von seinen Werken inspirierte Kurse zur „Teerkunst“ anboten, ohne dass die Quelle angegeben wurde. „Es wurde notwendig, meinen intellektuellen Beitrag zu schützen“, sagt er, „und sicherzustellen, dass Authentizität im Mittelpunkt meines Schaffens bleibt.“
Materialien als Metaphern
In Lambas Werk ist jedes Material mit Bedeutung aufgeladen. Weggeworfene Metalle, Glasscherben und Industrieabfälle werden zu Gefäßen für Umweltreflexionen und persönliche Erinnerungen.
Er erklärt seinen Prozess: „Durch die Verwendung von Abfall hauche ich dem Weggeworfenen Leben ein. Kupfer beispielsweise, gepaart mit Adeniumwurzeln, steht für Nachhaltigkeit, eine Schnittstelle zwischen industriellem Bergbau und der Zerbrechlichkeit der Natur.“
In seinen Installationen spiegeln sich oft spirituelle Motive wider, beispielsweise eine Göttin, die aus Teer und Eisen auftaucht und die Allgegenwart des Göttlich-Weiblichen in jedem belebten und unbelebten Objekt symbolisiert.
Lamba wählt seine Motive intuitiv. Sie entstehen aus Selbstbeobachtung, Träumen und unbewusstem Grübeln. „Ich meditiere oft über meine Rolle auf diesem Prisma-Planeten“, sinniert er. „Mein Unterbewusstsein verarbeitet diese Gedanken zu Formen und Texturen. Manchmal lenke ich den Prozess, manchmal lenkt es mich.“
Aus dieser Dynamik sind gefeierte Werke wie „Forest Embers“, „Gandhi and Industry“ und „Puppenspieler“ entstanden – jedes changiert zwischen Symbolismus und Abstraktion, verwurzelt in der taktilen Poesie seiner Entstehung. Sein Werk folgt keiner Vorlage, manche Gemälde entstehen in Monaten, andere in Jahren.
Simran KS Lamba
Inspiration und Unabhängigkeit
Trotz seines literarischen und theatralischen Hintergrunds lehnt Lamba die Vorstellung künstlerischer Helden ab. „Ich bewundere keinen Künstler und keine Denkschule“, sagt er. „Mein einziges Ziel ist es, mich wahrheitsgetreu auszudrücken.“ Meine Inspiration ist meine Mutter – von ihr habe ich gelernt, was es bedeutet, ein guter Mensch zu sein.“
Während seiner Ausbildung in englischer Literatur lernte er Schriftsteller wie T.S. Eliot und Thomas Hardy kennen, deren Betrachtungen über Zeit und Existenz seine Weltanschauung widerspiegeln. Und seine Erfahrungen in der Modebranche weckten seine Liebe zu Stoffen, Texturen und Formen – Elemente, die er in zukünftigen Arbeiten noch tiefer erforschen möchte.
Die Biennale von Florenz 2025: Teer globalisieren
Im Jahr 2025 werden die Werke des Künstlers auf der XV. Biennale von Florenz ausgestellt, ein Meilenstein, der seinen künstlerischen Dialog auf die globale Bühne ausweitet.
Er erklärt: „Meine Auswahl ist ein Beweis dafür, dass das zutiefst Persönliche die Öffentlichkeit erreichen kann. Sie schafft einen Raum für Dialog, in dem neue Perspektiven entstehen und Künstler ihre Weltanschauungen austauschen.“
Er wird in Florenz drei Gemälde präsentieren. Fließbandexistenz, eine Kritik des modernen Konsumismus, die einen leichenähnlichen Protagonisten zeigt, der an einem Fließband aufgereiht ist, umgeben von symbolischen Motiven des Überflusses zusammen mit Farbkomprimierung, geboren aus einem lebhaften Traum, der die Metamorphose von Indigotönen visualisiert, und Puppenspieler, eine minimalistische Komposition in weißen Pastellfarben, die metaphysische Kontrolle und Hingabe erforscht.
„Ich hoffe, dass die Ausstellung Diskussionen über unkonventionelle Medien und ihre natürliche Schönheit anregt“, sagt er. „Mein Ziel ist es zu zeigen, wie Gemälde symbiotisch sein können, indem sie verschiedene Materialien aufnehmen und so etwas völlig Neues entstehen lassen.“
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Grenzen erweitern
Für die Zukunft plant Lamba gemeinschaftsorientierte öffentliche Kunstprojekte, Wandmalereien, Skulpturen und Installationen aus Mülldeponien, die ländliche Menschen ansprechen und nonkonformistische Narrative zelebrieren sollen. „Ich möchte Kollektive mit gleichgesinnten Künstlern bilden“, sagt er. Zukünftige Projekte umfassen Teer-Emulsions-Hybride, Gartenskulpturen und Fahrradketten-Installationen: Jede dieser Arbeiten erweitert sein Repertoire an Neuerfindungen. Seine Kunst löst weiterhin die Grenzen zwischen Abfall und Wunder auf und fordert uns auf zu erkennen, dass selbst in dem, was die Welt wegwirft, die Möglichkeit der Transzendenz liegt.
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