Juni 30 2025
Pichwai globalisieren: Pooja Singhal hat es sich zur Aufgabe gemacht, eine heilige Kunst wiederzubeleben
(Juni 30, 2025) Pichwai, die komplexe Kunstform, die Geschichten von Shrinathji illustriert, blieb lange Zeit in Tempeln und Privatsammlungen verborgen. Doch jetzt erwacht sie auf der Weltbühne zu neuem Leben – dank Pooja Singhal, Philanthropin und Gründerin von Pichvai: Tradition und mehr, deren unendliche Leidenschaft für den Erhalt und die Innovation dieser Kunstform es ihr ermöglicht hat, sich weiterzuentwickeln und für das zeitgenössische Publikum relevant zu bleiben. Mit ihrer Arbeit hat Pichvai begonnen, Kunstliebhaber auf der ganzen Welt, von Delhi bis Singapur, zu begeistern. Singhal, die aus den USA zurückkehrte und einen MBA absolvierte, entschied sich gegen einen konventionellen Karriereweg. Stattdessen richtete sie ihren Blick nach innen – auf Indiens reiches Handwerkserbe. Sie gründete RUH, eine Handweberei-Marke, die ihre Auseinandersetzung mit traditionellen Textilien vertiefte und zum Ausgangspunkt ihrer Reise in die Kunstrevival wurde.
Diese Reise erreicht nun einen Meilenstein mit „Feast, Melody and Adornment“, einer großen Ausstellung in den Londoner Mall Galleries im Juli dieses Jahres. Mit über 350 ausgestellten Kunstwerken ist es die bisher größte internationale Pichvai-Ausstellung und bringt den visuellen und spirituellen Reichtum dieser heiligen Tradition einem weltweiten Publikum näher. Es ist auch ein stolzer Moment für die indische Kunst, die immer wieder neue Stimmen und Räume auf der Weltbühne findet. „Seit 2009 widme ich mich der Erforschung, Bewahrung und Neuinterpretation der Pichwai-Kunstform, verbinde traditionelles Handwerk mit zeitgenössischer Kunst und schaffe neue Möglichkeiten für die Künstler aus Nathdwara, sich in der heutigen globalen Kunstlandschaft zu entfalten“, erzählt sie. Globaler Inder.
Pooja Singhal
Einführung in Pichwai: Eine Kindheit voller sakraler Kunst
Kindheitserinnerungen sind nicht nur wertvoll, sondern hinterlassen auch einen tiefen Eindruck. Das war bei Pooja Singhal nicht anders. Sie wuchs in Udaipur auf, umgeben von einer reichen künstlerischen Tradition. Das verdankt sie vor allem ihrer Mutter, einer begeisterten Sammlerin, die oft Pichwai-Maler bei sich zu Hause willkommen hieß.
Singhal erinnert sich, wie sie als Kind ihre Mutter nach Nathdwara in Rajasthan begleitete und von den zarten Pinselstrichen der Pichwai-Maler fasziniert war, die in ihren Ateliers arbeiteten. Diese frühen Erfahrungen prägten ihre Wertschätzung für Handwerkskunst und Tradition, auch wenn sie sich dessen damals noch nicht ganz bewusst war. Nach der Schule absolvierte sie einen MBA in den USA, der ihren Blick auf Wirtschaft und Design erweiterte. Nach ihrer Rückkehr nach Indien gründete sie RUH, eine Handweberei-Marke, die ihre Auseinandersetzung mit traditionellem Handwerk vertiefte. „Erst Jahre später bildeten diese Erinnerungen die Grundlage für meine Arbeit zur Wiederbelebung dieser wunderschönen, heiligen Kunstform. Mir wurde bewusst, welch immenser kultureller Wert und Kunstfertigkeit verloren zu gehen drohten“, erklärt sie.
Vom Leidenschaftsprojekt zum Ziel: Ihren Weg zu Pichwai finden
In die Welt von Pichwai kam sie jedoch eher zufällig. Als sie RUH gründete, begann sie aus persönlichem Interesse einige Kunstwerke in Auftrag zu geben. „Mir wurde bald klar, dass die Tradition im Verschwinden begriffen, unterbewertet und gefährdet war. Eine Ausstellung in Chennai im Jahr 2013 bestätigte meinen Instinkt, dass diese Kunst bewahrt, neu gestaltet und wieder eingeführt werden musste“, sagt sie. Einer der wichtigsten Meilensteine ihrer Karriere war die Umstrukturierung des traditionellen Künstlerausbildungsmodells in ein kollaboratives Ateliersystem bei Tradition & Beyond, das dazu beitrug, die Meister-Schüler-Tradition wiederzubeleben und Innovation zu fördern. Die Kuratierung groß angelegter Ausstellungen, die Präsentation von Pichwai-Kunst in Zusammenarbeit mit der etablierten Gujral Foundation in einem großen Bungalow im Lutyen-Viertel Delhi (2015) und die Präsentation einer Ausstellung mit 400 Werken in den Famous Studios in Mumbai (2018) waren ausschlaggebend dafür, Pichwais Präsentation für ein zeitgenössisches Publikum neu zu definieren.
Ein weiterer bedeutender Erfolg war die Formalisierung der Marktpräsenz von Pichwai durch die Galerievertretung und die Abkehr von informellen Vertriebskanälen. „Die Integration multisensorischer Erlebnisse, wie das traditionelle Chappan Bhog (eine heilige Platte mit 56 verschiedenen Gerichten, die für die Verehrung von Shrinathji von wesentlicher Bedeutung sind) in Ausstellungen, trug auf einzigartige Weise dazu bei, das Publikum mit dem kulturellen Kontext der Kunst zu verbinden. Schließlich hat die Einführung experimenteller Serien wie der Graustufen- und geometrischen Neuinterpretationen das künstlerische Vokabular der Pichwai-Kunstform erweitert und ihre Weiterentwicklung sichergestellt, während gleichzeitig ihre heiligen Wurzeln gewürdigt wurden“, sagt sie.
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Jenseits der Leinwand: Wiederaufbau des Pichwai-Ökosystems
Bei Pichvai Tradition & Beyond wollte sie nicht nur die Bildsprache, sondern auch das dahinterstehende Ökosystem wiederbeleben. „Wir haben den kreativen Prozess vom alten Vater-Sohn-Modell auf ein Ateliersystem umgestellt, in dem jüngere Künstler bei Meistern lernen und gemeinsam an jedem Werk arbeiten. Ich habe mich darauf konzentriert, Originalmaterialien wie handgemahlene Mineralpigmente und traditionelle Baumwoll-Seiden-Stoffe wiederherzustellen und vergessene Techniken wie Likhai (eine filigrane Konturtechnik, die Definition und Tiefe verleiht und die komplizierten Details zum Leben erweckt) wieder einzuführen.“
Ebenso wichtig war es, die Wahrnehmung der Kunst neu zu gestalten. „Durch groß angelegte Ausstellungen in Delhi, Mumbai, Singapur und auf der India Art Fair habe ich daran gearbeitet, Pichwai fest in der zeitgenössischen Kunst zu verankern und eine Brücke zwischen Hingabe und Design, Tradition und Moderne zu schlagen, um seine Relevanz für zukünftige Generationen zu sichern“, sagt sie. „Pichvai Tradition & Beyond“ war tatsächlich die erste traditionelle Kunstform, die auf der Contemporary India Art Fair präsentiert wurde. Diese Aufnahme führte seitdem zur Schaffung eines eigenen Bereichs für traditionelle Kunst auf der Messe.
Taking Global: Eine wegweisende Präsentation in London
Jetzt ist sie bereit für ihre neue Show „Feast, Melody and Adornment“ in der Londoner Mall Gallerie vom 2. bis 5. Juli 2025, die einen bedeutenden Meilenstein auf ihrem Weg mit der Pichwai-Kunst darstellt. „Es ist das erste Mal, dass wir diese Tradition in diesem Umfang einem weltweiten Publikum präsentieren und mehr als 350 Werke ausstellen. Der Standort im Herzen des Londoner Kunstviertels ermöglicht es uns, ein völlig neues Publikum anzusprechen. Die Ausstellung ist eine kuratierte Feier des visuellen Reichtums und der rituellen Wurzeln dieser Kunstform, neu interpretiert für einen zeitgenössischen globalen Kontext. Die Werke, die wir zeigen, umfassen die ursprünglichen heiligen Werke sowie zeitgenössische Neuinterpretationen, darunter unsere Greyscale-Serie und architektonische Interventionen, die von den Jharokhas von Nathdwara inspiriert sind. Es ist zutiefst erfreulich zu sehen, dass diese einst an Tempel gebundene Tradition in einer internationalen Kunsthauptstadt Anklang findet. Ich hoffe, dass diese Ausstellung nicht nur die Wertschätzung für Pichwais Handwerkskunst weckt, sondern auch Gespräche darüber anstößt, wie sich traditionelle Kunstformen weiterentwickeln und über Kulturen und Regionen hinweg bedeutsam bleiben können“, sagt sie.
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Von der Bewahrung zur Ermächtigung: Die Vision eines Erweckungspredigers
Als Erweckungskünstlerin verfolgte sie stets zwei Ziele: die Integrität der Pichwai-Tradition zu bewahren und ihre Relevanz in der heutigen Welt sicherzustellen. „Als ich begann, gingen viele Techniken verloren, und Künstler, die ursprünglich in Chitrakaron Ki Galli, der ‚Malerstraße‘ in Nathdwara, ansässig waren, wanderten aufgrund mangelnder Anerkennung und fehlender Lebensgrundlagen ab. Mit der Einführung eines Ateliermodells bei Pichvai Tradition & Beyond haben wir uns von der isolierten Guru-Shishya-Tradition zu einem kollaborativeren und nachhaltigeren System entwickelt, in dem jüngere Künstler von erfahrenen Meistern ausgebildet werden“, erklärt sie.
Die Wirkung, sagt sie, sei sehr ermutigend gewesen. „Dies hat nicht nur längst vergessene Fähigkeiten wiederbelebt, sondern den Künstlern auch Stolz, Sinnhaftigkeit und Gemeinschaftsgefühl gegeben. Viele, die das Feld verlassen hatten, sind zurückgekehrt und sehen ihre Arbeiten heute in großen Institutionen in Indien und international ausgestellt. Es ist unglaublich befriedigend zu sehen, wie ihr Selbstvertrauen wächst, wenn sie erkennen, dass sie nicht nur die Vergangenheit bewahren, sondern aktiv die Zukunft einer Kunstform mit globaler Resonanz gestalten“, fügt sie hinzu.
Zwischen Tradition und Innovation: Navigation in einem fragilen Ökosystem
Eine ihrer größten Herausforderungen war das empfindliche Ökosystem der traditionellen Kunst, in dem sie tätig ist. „Die Kunstform, mit der ich arbeite, existiert seit über 400 Jahren, wurde über Generationen weitergegeben und historisch auf eine besondere Weise gefördert und gehandelt. Diese in das zeitgenössische Galeriemodell zu integrieren und Prinzipien aus der Welt der zeitgenössischen Kunst auf eine Form mit eigenem Erbe anzuwenden, erforderte sowohl behutsame Veränderungen als auch tiefgreifende Neugestaltung. Die Sensibilitäten von Künstlern, Händlern und sogar den Veranstaltern von Kunstmessen zu berücksichtigen, war keine leichte Aufgabe. Obwohl traditionelle und zeitgenössische Kunstpraktiken Gemeinsamkeiten aufweisen, funktionieren sie doch ganz unterschiedlich. Den Beteiligten zu helfen, diesen Unterschied zu verstehen und zu akzeptieren, ist ein fortwährender Prozess“, sagt sie.
Eine weitere Herausforderung bestand darin, sich an neue geografische Gebiete anzupassen, zu verstehen, was bei unterschiedlichem Publikum und Förderern in den Regionen Anklang findet und wie sich diese Förderung weiterentwickeln lässt. „Jedes Mal, wenn wir diese Kunstform in einen neuen Kontext bringen, stellt sich die Frage, wie wir sicherstellen können, dass sie relevant, nachhallend und verwurzelt bleibt, aber dennoch offen für Interpretationen ist und gleichzeitig ihre Authentizität bewahrt“, fügt sie hinzu. Darüber hinaus übernimmt sie bei dieser Initiative mehrere Rollen: Sie gibt die Werke in Auftrag, verwaltet und unterhält das Atelier, fungiert als Galeristin und Kuratorin und ist in vielerlei Hinsicht auch Förderin. „Die Rollen zu wechseln, manchmal mehrmals am Tag, kann ziemlich anspruchsvoll sein, da jede Rolle eine andere Denkweise und andere Verantwortlichkeiten erfordert, um sicherzustellen, dass ich allen gerecht werde. Es geht darum, ein Ökosystem zu schaffen, in dem sich Kunst, Künstler und Publikum gemeinsam weiterentwickeln können“, sagt sie.
Kunst mit Sinn: Aus Leidenschaft wird Vermächtnis
Obwohl die Kunst sie inspiriert und motiviert, sagt sie, dass sie das Glück hatte, ihre persönliche Leidenschaft zum Beruf zu machen. „Es bereitet mir große Freude, jeden Tag in einem Umfeld zu arbeiten, das mir so sehr am Herzen liegt. Darüber hinaus erfüllt mich die soziale Wirkung meiner Arbeit ungemein. Als ich anfing, war die Künstlergemeinschaft von etwa 4,000 bis 5,000 Mitgliedern auf knapp 2,000 geschrumpft; sie war am Verschwinden. Zu sehen, wie sie nun weiterlebt, floriert und wieder zu Kräften kommt, ist ein starker Ansporn. Es berührt mich auch sehr, dass traditionelle indische Kunst und Kulturerbe Grenzen überschreiten, hier von der jüngeren Generation geschätzt werden und im Ausland ein neues Publikum finden. Es erinnert mich daran, dass diese Formen Menschen über Kulturen und Zeiten hinweg noch immer ansprechen“, sagt sie.
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Für Pooja Singhal ging es bei ihrer Reise mit Pichwai nie nur um Kunst – es ging um Identität, Vermächtnis und darum, Raum für Tradition in einer sich schnell verändernden Welt zu schaffen. Indem sie eine uralte Form mit Respekt und Weitblick neu interpretierte, belebte sie nicht nur eine verblassende Praxis wieder, sondern ermutigte auch eine Künstlergemeinschaft, größere Träume zu haben. Die Premiere von „Feast, Melody and Adornment“ in London markiert ein neues Kapitel – eine einst tempelgebundene Tradition findet ihren Platz auf der Weltbühne und findet weit über ihre Ursprünge hinaus Anklang bei einem Publikum.
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Geschrieben von: Charu Thakur
